我是丽Io Sono Li

每个人都需要对自己有来自灵魂深处的鄙视，你可以欺骗任何人，但唯独不能欺骗你自己。不断探索心灵黑洞并试图填补的过程大概就是人生追求吧。不断揭开看似温情我是丽Io Sono Li，看到黑暗现实的凯蒂最后说出的话意味着她真正的成长

墙裂推荐，这不是一本泛泛而谈的理论知识，而是结合中国国情的具体实践，Andrea Segre老师的理论扎实，抽丝剥茧，数据分析，层层论证，看的很过瘾，他对问题的思考方式是最有价值的。

每看一本剧，都能增长新的知识，虽然是井底之蛙，也不妨碍看灿烂星空的喜悦和对美好生活的向往。

这部剧其实是费兰特20余年来的书信、访谈和散系列。作家在书中袒露了自己对写作风格和主题的探索历程，并回顾了自己经历的自我怀疑和突破。 读完那不勒斯四部曲第一本，我就深深地爱上了费兰特。那时候反复把她的文字咀嚼、回味，感叹自己也曾有过太多和她一模一样的感受，但是又暗自想或许也只有她才能用那样恰当的文字将这些细腻的情感与观察表达出来。“你从来不知道自己身上发生了什么，直到更敏锐的人替你写下。”尽管费兰特几十年来从不公开露面，但是丝毫不影响我对她有种老友般的熟悉感。 书名“碎片”其实来源于费兰特母亲留下的一个方言词汇，那是她经常说的，就是当一个人遭受各种矛盾情感的折磨时感受到的东西，她说她内心一团“碎片”（frantumaglia）……碎片就是感觉痛苦不安，这种不安缘于一些乱七八糟的事情，我们的生活，我们的声音会淹没在这堆碎片中。 在这部剧的对话问答中，费兰特谈到了许多话题，让作为读者的我们对于她的了解又更深入了一步。 她谈故乡：我感觉自己不属于这个城市，因此当我在那不勒斯生活时，我对它充满了厌倦。一有机会我就逃离了这个地方，但那不勒斯教给我的东西一直陪伴着我。那就像一个备忘录，告诉我错误的生活模式会损害、辱没生命的力量…那不勒斯是我的城市，即使我非常痛恨这个城市，我也无法撇开它。我生活在别的地方，但我必须经常回去，因为只有在这个地方，我感觉才能找到自己，会带着信心继续写作。 谈影视的虚构与非虚构：在我看来，影视的虚构是专门让人讲出真相的…我觉得在影视的虚构中，要比在现实中更少假装。在虚构中，我们能说出自己，也能认出自己。在实际中，为了避免麻烦，我们可能会沉默或无视。 谈编剧与故事的距离：那时候，我已经明白了，要写好一篇剧集，就不能按照书本上写的方法去做，不能和这个故事保持距离，而是要缩短、消除距离，感受到文字里那些活生生的身体脉搏的跳动…在我看来，一个写作的人要逆向行驶，他不是要拉开和故事的距离，而是要缩短距离，要通过身体感受那些故事的冲击，要靠近我们曾经爱过的人，观察过的生活，还有我们听到的故事。一个故事要写出来，需要经过多重过滤。通常我们总是过早动笔，文字会显得冰冷。只有我们感觉到这个故事的每个时刻、每个角落都附身于我们时（有时候需要很多年），我们才能写好它…一部剧集越站得住脚，越有说服力，就越像一个防护栏，让我们可以站在那里，看到没有写进剧集的东西。 谈写作技巧与训练：写作就是将声音、情感、故事的“碎片”不停转化成句子和话语，转化成黛莉亚、奥尔加、勒达、莱农的故事。这是一种选择，也是一种需要，一阵激流，就像流水，同时这也是学习的结果，对技巧的掌握，这是一种能力，是对身体和头脑进行训练的结果，有快乐，也有痛苦。最后，留在纸张上的是一个非物质的组织，包含各种元素，其中包括写作的我，包括写作的莱农，还有她所讲述的很多人和事儿，她和我讲述的方法，还有我汲取灵感的影视传统，我从这种传统中学到的东西。还有从群体智慧和创造力中学习的，我们出生和成长的环境用的语言，我们听到别人讲的故事，我们获得的伦理观，等等。总之，这些元素都有很漫长的历史，会削弱我们作为“编剧”的功能，也就是我们所说的“原创性” 谈编剧与读者的关系：真正的读者看的不是编剧为了露面精心打扮的外形，而是每个词语下的赤裸现实…像您所说的，我不认为艺术可以撇开它的创编剧。相反，我相信，写作的人，无论愿不愿意，都会完全融入他的文字之中。编剧总是在文本中，文本中包含了所有那些重要的谜底。那些不重要的东西，提出来也没有什么用。 最后想用费兰特希望读者读完自己的作品以后留下的印象结尾：尽管我们不断尝试着去降

但我认为，在人的一生中，至少有那么一两件事，应该不妥协，至少一两件。因为不妥协、坚持虽然不现实，很没好处，却是正确的。人，是要有一点儿精神的，至少有一点儿。

何为摄影？在书中，苏珊桑塔格告诉我们——摄影是“忧伤的物件”。“忧伤”，是因为：其一，当你的摄影机定格的刹那，皆成过往。你无法把握住它与真实社会和时间之间的距离，现实世界中的景象通通收进相机里，定格的是瞬间的格子，而无法抓住流动的时空。因而它与现实相区分来，代表一种“超现实主义”。这种超现实，是波德莱尔式的“城市的游魂”，从静默的丑中发现美。诚如书中所说，过去的人常常表达对另一个世界的向往，而超现实主义者却流露出复制现实社会的倾向，也即，他们所厌弃的正式他们所向往的。 其二，“忧伤”体现在对大悲痛的一次次稀释，对神圣与经典的世俗化的痛惜。当我们观看一张照片的时候，我们通常采取一种冷静的旁观态度，照片中可能是战争、屠杀、贫穷、受苦，但是我们自然地与之拉开了距离。苏珊说“留下一张莎士比亚的照片相当于看到了耶稣十字架上的螺丝钉”。现代社会的一个典型的表现是，照片的图像大泛滥，它一方面迎合了现代生活的需要，另一方面又是对经典的解构。对文字和绘画的冲击自然不必说，但总有不可取代的差别。 因而再来说作为一种“物件”的“摄影”。“物件”，即不带任何感情色彩的工具，也就是说，摄影本身并不是一个艺术品，它能制造艺术品但它自身不是。与绘画相区别，绘画是对于抽象的表达，重点在于：超越视觉。而摄影却只能做到“视觉”，难以进一步到达心灵深处。与其说绘画，不如说是十九世纪的诗歌更接近超现实的摄影，因为它们都是“深情地凝视”，其特点是静止与片面； 与文字相区别，摄影的直观无法用文字准确描绘，文字只能做到用无数的语法和修饰词去润色加工所思所感。  苏珊提到了安东尼奥尼的纪录片《我是丽Io Sono Li》，又指出了作为表达政治功能的摄影。安东尼拍摄的北京及北京人和其时的当权者所希望的不同，在中国，摄影更多的被利用成政治工具，影像所呈现出来的希望都是“好”的一面而非“真实”的一面，这也从另一角度说明了摄影的欺骗性和主观判断的成分。   最后引用尼采的话作结“我们观察美的东西，证明我们正在错误地观察它。但这也是必要的。”  一如摄影。

这部剧讲述了编剧赵涛和小忽相识十六年，从校服到婚纱的爱情故事。可是天不遂人愿，一场癌症突如其来降临在小忽身上，打乱了他们原本幸福的生活。一家人四处奔波给小忽治病，然而小忽的病情却逐渐恶化，最终离开了这个世界，永远离开了小锦和花生。 灾难未降临的时候，每个人都自以为是坚强的，甚至会笃定地认为，自己能打败一切灾难，但是事情真的发生的那一刻，人会变得脆弱、无助，惊慌失措。 奈何，我稚嫩，人生阅历短浅。没有那些经历便无法真正共情，虽然准备好了纸巾，但并没有泪如雨下。 我没有经历过生离死别，所以我无法想象身边的人有一天离我而去将会忍受怎样的悲伤难过。我没有经历过爱情，所以我无法想象自己有一天将会爱一个人就像爱生命。 虽然我自身还没有经历过这些，但是却在这样一个年纪，在这部剧中看到了他们的故事，赵涛和小忽从校服到婚纱的爱情是我们羡慕且憧憬的。但是，他们的爱情长跑仅仅持续了十六年便被迫终结，我为他们感到遗憾和惋惜。 世界以痛吻我，我要报之以歌 赵涛写下这部剧，来纪念他们的爱情，记录他们的故事。书中的那些普通而又深情的话是她对小忽深深地爱恋和思念的表达。正如赵涛所说，爱就是遇见那个对的人，然后爱他就像爱生命。 然而，生命却死了。世事无常，因为癌症病魔，被迫生离。 生命是脆弱而又坚强的，时间可以淡化伤痛，愿天堂没有病痛，愿小花生健康快乐成长，愿小锦早日活出一个人的精彩，愿我们都能遇见爱情，相信爱情。 在这短短的一生， 我们都会失去。 不妨大胆一点， 攀一座山，爱一个人，追一个梦。

在领导力发展的第一阶段，应该学习的技能包括工作计划、知人善任、分配工作、激励员工、教练辅导和绩效评估。

不好看去，狗血剧情太老套了。

真真是，惨烈的深情。我忘不了最后一集，黑白的博物馆里，他站在那架无弦的箜篌前与文物对话，她噙着泪，轻轻地说，我想你了。这一想啊，便是她的一辈子，更是千年。(害得我瞬间泪奔T﹏T)

不是针对原著，而是这个版本的翻译真的有点奇怪，建议去读上海译文的版本。

挺没意思的，11集弃，女主也是，路转厌

女性的一生，不想活得太被动那就要有自己的思想和远见，敢于挑战尝试，而不是安于现状止步不前。无论经历怎样的磨难苦痛，都是敬畏生命的必经之路，毕竟人生没有白走的路。

这部剧更适合儿童，学生读，当然成年人也有很多不知道的东西，读来也很涨知识。感谢《我是丽Io Sono Li》编写组的精心收集和编写，还是很值得一读的，确实有意思